Entrevista Verónica Albarrán

México D,F. Marzo 2015

Entrevista de Luna Beltrán a Verónica Albarrán *Becaria del Fonca, Jóvenes creadores en dirección escénica.

Verónica Albarrán, actriz egresada de la e.n.a.t, maestría en dirección Escénica; entrenada en la técnica de máscara neutra, teatro de calle, maestra de teatro infantil, clown y con un camino emergente como directora ha puesto sus ojos en el teatro infantil pues ahí encuentra la libertad y la exigencia de la investigación escénica, pues un niño va a exigirte lo normal, lo que el adulto ya no exige por sus prejuicios. La podemos encontrar en twitter @edadloroteatro/ FB. Edad loro teatro/ www.edadloroteatro@gmail.com

Cuéntame tu experiencia, cómo comenzaron?

Pues mira, la compañía lleva trabajando cuatro años; Viaje a la Luna es el primer espectáculo en que tenemos tiempo para generar mayor investigación, ya que este es el proyecto final de mis estudios de maestría en dirección escénica. Se unieron varias cosas para que la compañía siguiera buscando un lenguaje propio, y esta búsqueda partió de que los niños no están, digamos, educados en esto de llegar sentarse en la butaca no moverse y no hablar, sino que al revés en el teatro para niños o los papás se aburren mucho y se duermen, o los niños quieren hablar, quieren participar y la obra no está diseñada para eso e incluso los actores sienten que eso pone en riesgo la ficción. Nuestra idea fue entonces que tanto adultos como niños pudieran estar dentro del mundo de la ficción y que fueran parte del proceso creativo durante la obra.

La obra se fue formando con la participación de un grupo de infantes, cómo fue el proceso con los niños de Morelos?

El proceso fue muy importante e interesante pues además de los pedazos de poemas de Sabines, pedazos de canciones, metáforas que los niños nos propusieron para la obra; jugamos estas dinámicas de relación con el público y nos dimos cuenta que por ejemplo, en un país donde hay tremenda violencia la comunicación con los niños es muy fuerte; por ejemplo el bullying, pues hasta entre ellos mismos existe la violencia. Por eso la importancia de que la obra abra un espacio, para adultos y niños, para ensayar nuevas maneras de encontrarnos, de abrazarnos, de saludarnos, de darnos el tiempo de escuchar lo que el otro dice con toda tranquilidad y calma. 

En una parte de la obra se nos pregunta qué es la luna para nosotros, yo quiero saber para ti qué es la luna?

Este símbolo de ausencia que ha creado tantas cosas en el imaginario colectivo, poetas, pinturas, sueños, películas, y esta es la premisa en general de la obra.

Todas las funciones son iguales?

Cada función es absolutamente distinta, por completo; cada función se dicen cosas completamente diferente acerca de la luna o los niños reaccionas de maneras diversas. Y esa es nuestra apuesta que el teatro no sea solamente del escenario para el público sino un proceso de dialogo vivo, pero de verdad. Que nos pongamos en el riesgo de relacionarnos en serio con el público.

Eso que mencionas en fundamental en el teatro, el escuchar al otro, así se hace el teatro. Y  eso me lleva a reflexionar acerca de las reacciones de tus actores, es decir, no puede ser que estén ensayadas todas, cuando el público siempre es distinto. Pensaste en un eje dramático o como se resuelves?

Pues mira, en realidad nosotros no partimos de un texto dramático sino de una escaleta que está conformada por cuadros escénicos y los actores para poder desarrollar estos cuadros y sobretodo para tener un entrenamiento de relación con el público, tuvieron un proceso de entrenamiento que tuvo que ver con la máscara neutra y el clown, donde cada uno generó, en lugar de un personaje, una lógica y por medio de esto se abren al espectador de maneras diferentes. Y justamente el reto actoral en ellos es poder establecer el vínculo individual con el espectador y poder establecer los lineamientos para la improvisación que eso le implique.

Ese diálogo corporal lo encontramos en el teatro oriental y es muy raro acá en occidente, donde todo se resuelve con la palabra. Tú, como directora qué buscas para el niño espectador?

Pues eso que mencionas es muy importante, pues la obra tiene la intención  de ser una experiencia escénica, más que de contar un cuento o de dar un mensaje a los niños para enseñarles algo en específico, sino que a través de la experiencia que el propio cuerpo tenga, al sumergirse en este mundo de telas que la obra propone o al tocar al otro, al tener un tiempo de ser escuchado frente a todos podamos obtener un conocimiento de nosotros mismos y de los otros y esto no tiene que ver solamente con la palabra. Los niños pueden pararse y caminar a lado de los actores.

De todos los teatros en los que han estado, la arquitectura modifica la obra?

Hemos estado en espacios diferentes, La Capilla, por ejemplo; ahí fue todo un proceso para convertir ese espacio, que además es un pasillo y es mucho más complicado para generar este círculo que viste aquí. Estuvimos en el Foro López mancera que es un espacio mucho más amplio, y ahora en La Gruta. El 21 de Marzo vamos a dar una función especial en el CCB. Y todos estos espacios también ayudan al actor a generar un diálogo con la arquitectura del lugar.

Explícanos el por qué del contraste físico de tus actores.

No es necesario establecer un rol de la palabra de quién es quién sino lo que representan corporalmente, lo que ellos crearon. Hay uno pequeño, un alto, un fuerte, un delgado, etc. En ese sentido, todos que somos diferentes podemos de todas maneras relacionarnos como iguales, además de que el contraste visual de los cuerpos de los actores, genera también un contraste humorístico. No buscamos a la "niña bonita", o al "príncipe", ni ningún estereotipo de esta magnitud, que además son inalcanzables. Aquí son cuerpo reales.

Y ahí viene la pregunta difícil, por el tema y los tiempo, pero los teatreros no tiene pelos en la lengua. Siento que estos estereotipos ayudan a las etiquetas y lleva a molestar al otro, porque si tu no eres bonito, güerito, flaquito, con buen cuerpo, etc., no tienes el mismo valor que si lo fueras. Y al ser creadores infantiles hay una enorme responsabilidad en el uso irracional de estereotipos no nuestros, y se está dando demasiado.

Muchísimo, porque además lo exportamos de los sistemas de producción de cine para niños, todo lo que hace Walt Disney, que son estereotipos que etiquetan y que le enseñan a los niños el ideal de cómo deben de ser aunque es absolutamente inalcanzable. Y funciona muchísimo para el consumo, las niñas quieren ser todas princesas, todas rosas; desde niñas ya se están poniendo maquillaje. por eso esta idea de trabajar con cuerpos de actores que contrastan pero que podríamos ser cualquiera de nosotros, como llegar a viejo. Por eso este personaje que va guiando todos los cuadros representa la vejez.

¿Por qué decidiste que la vejez guiara los cuadros escénicos?

Anne Bogart comentaba que si el teatro fuera un verbo y este verbo fuera su corazón, sería: recordar. Por varias razones, porque cada función el actor no repite, recuerda, y es un proceso diferente. Cada función todos evocamos un proceso diferente, y entonces pensamos este poeta, este soñador podría guiar este viaje y su necesidad de recordar, y eso lo conecta con los adultos y la necesidad de recordar su propia infancia.

¿Cómo te sientes ante la reacción del público?

Hubo una función que me sorprendió mucho ; era una señora como de unos cincuenta años y se me acercó y me dijo, "muchas gracias, yo necesitaba sanar una ausencia"... Los niños estaban felices como siempre, pero para mí fue importante ver que el tono de la nostálgica que era uno de los objetivos de la obra estuvieran funcionando en los adultos. Y hoy que vivimos en un país donde la ausencia es uno de los grandes temas, la luna es un símbolo y la obra un espacio para poder sanar. A mi me sorprendió mucho, y lo logramos sin un fin moralizantes. Hablamos de las ausencias, de los desaparecidos, de los muertos sin utilizar tal cual el hecho.

¿Por qué crees que es importante la investigación escénica?

Como sociedad siempre nos estamos modificando, y ahora un tema, por ejemplo, importante sería la tecnología y cómo afecta ahora a los niños y la sociedad que tienen; la política que también afecta la infancia. si el público y nosotros como sociedad nos modificamos, por qué el teatro no. Lo que estoy investigando en mi maestría es que si uno sigue relacionándose con el público de la misma manera, el teatro se muere. porque entonces ya no generamos un diálogo verdadero. tenemos que transformar las dinámicas del teatro.

Sabemos que en México hay una gran carencia en cuanto al apoyo cultural y esto se ve reflejado en el teatro. ¿Cuál sería tu consejo ante la crisis del teatro actualmente?

Tanto como consejo, no sé, pero la búsqueda que hago acerca de la dificultad del teatro es no evitar la investigación, transformar los espacios teatrales y no olvidar al público, creo que ese es un problema muy grave que tiene el teatro hoy. Nos quejamos de que el público no va a las salas, entonces tendríamos que ver si espacios que no son teatros también se podrían re-significar o el público no va a las salas porque nunca pensamos en el desde que armamos el espectáculo. Es decir, tal vez el consejo sería que no se quede la creación artística en el solipsismo del "yo", como creador y como artista, sino lo importante es el diálogo con el otro, el espectador. Si no los incluimos en nuestras reflexiones cómo queremos que ellos se comuniquen con nosotros.

¿Cuál es su próxima puesta en escena?

Vamos a estar en el teatro Sergio Magaña con "El increíble caso de los hombres libro", que es una adaptación que hice a teatro para niños de la novela Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, y ahí trabajamos la idea de este futuro donde los libros son cosa prohibida. ¿Qué pasaría si no pudiéramos leer?, las consecuencias... En lugar de decirles a los niños que es bueno leer.

Por último, ¿cuál es tu personaje favorito, que te gustaría dirigir o actuar?

Mmmm una pregunta difícil (ríe), Gelsomina, actuada por  Giulietta Masina en La Strada de Fellini, a mi me rompe el corazón. y de teatro... pues bueno El circulo de Tiza de Bertolt Brecht...

¿Te gustaría dirigirlo?

No sé, tal vez sí y más porque Brecht maneja esta dinámica con el público y hay temáticas en torno a la maternidad.

Pues bueno muchas gracias por la experiencia, por hacernos buscar de nuevo en nosotros las experiencias de la niñez, del recuerdo, por transformarnos con tu obra y felicidades, de nuevo, a tus actores y a ti.  

Gracias.

https://www.youtube.com/user/VeronicaAlbarran

México, D,F. 9 marzo, 2015.